Monet-Ausstellung in Tokio: Von der Last des Katarakts zu unvergänglichen Pinselstrichen
Vor ein paar Tagen habe ich es in letzter Minute doch noch geschafft, die lang ersehnte Monet-Ausstellung zu besuchen. Monet ist schließlich einer meiner absoluten Lieblingsmaler und auch einer der Impressionisten, die ich am meisten bewundere.
Ich dachte mir, wenn in ein paar hundert Jahren noch so viele Menschen meine Werke in einem Museum so aufrichtig bewundern würden, würde ich wohl vor Glück den Sargdeckel aufstoßen!
Diese Monet-Seerosen-Ausstellung, die als die größte ihrer Art in der japanischen Geschichte gilt, zeigte 64 Originalwerke. Abgesehen von einigen wenigen Studien handelte es sich bei allen anderen um äußerst gewichtige Werke. Rund 50 davon stammten aus dem Musée Marmottan Monet in Paris und wurden zusammen mit Gemälden aus dem Nationalmuseum für westliche Kunst in Tokio und anderen japanischen Sammlungen präsentiert, was schlichtweg atemberaubend war.
Obwohl ich anderthalb Stunden Schlange stehen musste, um ein Ticket zu ergattern, war dies definitiv die beste Ausstellung, die ich in den letzten Jahren gesehen habe. Ich mietete einen Audioguide. Obwohl vor jedem Werk im Saal unzählige Menschen standen, tauchte ich, sobald ich die Kopfhörer des Audioguides aufsetzte, in meine eigene Welt ein, versank in Monets Welt.
Die Ausstellung war in vier Säle und fünf Kapitel unterteilt. Sie erzählte die Geschichte von Monets anfänglicher Inspiration für das Seerosen-Thema und der Gestaltung des Seerosenteichs, bis hin zu seinen späteren Jahren, die von Krieg und Katarakt gezeichnet waren, auf sehr einfühlsame Weise. Ich sah nicht nur die Werke, sondern eine ganze Seelengeschichte.
Ich mochte die Ruhe und die satten Farben der ersten Kapitel. Monet hatte viel Mühe in die Gestaltung seines Seerosenteichs gesteckt. Als ich die Veränderungen von Licht und Schatten auf dem Teich im Laufe des Tages betrachtete, sah ich zwar Seerosen, spürte aber zugleich die Morgen- und Abendstimmung und flammende Abendröte. Es war eine Mischung aus Ruhe und Fülle, Grobheit und feiner Nuance.
Auch die letzten beiden Kapitel gefielen mir sehr. Sie zeigten Monets Spätwerk, das zum einen seine Ohnmacht und seinen Schmerz angesichts des Ersten Weltkriegs widerspiegelte und zum anderen seine schwere Beeinträchtigung durch den Katarakt. Die Bilder und Farben wurden wilder und expressiver. Doch selbst in dieser Wildheit spürte man Monets feinsinnige Wahrnehmung des Lebens und der Schönheit. Es war ein Kampf gegen das Schicksal, eine Trauer um die leidenden Menschen im Krieg.
Monet litt in seinen späteren Jahren stark unter einer Augenerkrankung. In den Jahren, in denen er an seinen Werken zur japanischen Brücke arbeitete, verschlimmerte sich sein Katarakt zusehends. Im Alter von 93 Jahren war sein rechtes Auge fast blind. Nach einer Operation verbesserte sich sein Zustand zwar etwas, doch er litt weiterhin unter einem starken Gelb-Grün-Stich in seiner Wahrnehmung. Trotzdem malte er unermüdlich weiter.
„Wenn ein Sänger seine Stimme verliert, zieht er sich zurück. Wenn ein Maler eine Kataraktoperation hatte, müsste er das Malen aufgeben. Doch das Malen aufzugeben, das wäre für mich unvorstellbar.“
Besonders beeindruckt haben mich die Weidenbilder. Es gab einige riesige Darstellungen von Trauerweiden, leicht von unten betrachtet, ohne Himmel. Das gesamte Bild war von Weiden dominiert, deren Stämme rot leuchteten. Sie ragten imposant in die Höhe und zogen alle Blicke auf sich. Dann diese unzähligen herabhängenden Weidenzweige… ein Gefühl von überwältigender Größe, das über die Bildränder hinausging und direkt ins Herz des Betrachters traf.
Eine Anekdote: Drei Japaner besuchten Monets Atelier und sahen ihn, wie er gerade diese Weiden malte. Einer von ihnen war neugierig und konnte nicht anders, als zu fragen, angesichts des Kontrasts zwischen den roten Baumstämmen und den grünen Weidenblättern, ob diese Farben denn auch wirklich richtig seien.
Monet antwortete: „Wissen Sie, meine alten Bilder, die jetzt als wunderschön farbig gelten, wurden früher immer dafür kritisiert, seltsame Farben zu haben. Auch wenn Ihnen diese Farben jetzt seltsam erscheinen mögen, so werden die Menschen in Zukunft eines Tages ausrufen: ‚Wie schön diese Farben doch sind!‘“
Einige Jahre nach Monets Tod wurden seine Seerosenbilder in Museen ausgestellt und eroberten die Herzen der Betrachter im Sturm.
Monet hatte einst einen Rosenweg am Rande seines Seerosenteichs angelegt. Das Haus, gesehen vom Rosengarten – dieses dreiteilige Werk war die letzte Serie, die er zu Lebzeiten schuf. Die Farben waren so wunderschön gemischt! Oben links war schemenhaft das Haus zu erkennen, der Ort, an dem er über 40 Jahre gelebt hatte.
Wie wunderschön der Anblick von hier aus war!
„Früher oder später wird alles, was ich sehe, sich verformen und verwirrend werden. Das ist unerträglich. Wenn ich die Natur nicht mehr so sehen kann wie jetzt, dann bleibe ich lieber blind und behalte die Erinnerung an die Schönheit, die ich immer gesehen habe.“
Als 1914 der Erste Weltkrieg ausbrach, vertiefte sich Monet in die Schaffung großformatiger Werke. Er sagte, die Arbeit helfe ihm, nicht über die traurigen Zeiten nachzudenken. „Ich schäme mich, dass ich mich mit diesen unscheinbaren Farben und Formen beschäftige, während so viele Menschen sterben und leiden.“
Nach dem Ende des Ersten Weltkriegs, im November 1918, schrieb er an seinen alten Freund, Premierminister Georges Clemenceau, und spendete diese beiden Werke, um das Ende des Krieges zu feiern.
Die Trauerweiden dienten dem Gedenken und symbolisierten Trauer und Erinnerung. Monet stellte sich vor, wie die Menschen beim Betrachten dieser Werke in einen Zustand friedlicher Meditation geraten würden, und sich vorstellten, von dem endlosen Wasser des Gemäldes umgeben zu sein. Auf der Wasseroberfläche des Teichs spiegelten sich die Weiden. Der reale Teil der Weiden und ihre Spiegelung im Wasser verschmolzen, ihre Grenzen lösten sich auf. Realität und Illusion vereinten sich in dieser fließenden Mikro-Welt. In gewisser Weise.
Auf einem anderen Weidenbild schien der untere Teil des Baumstammes einer Weide, zusammen mit einem Teil der Zweige, die das Wasser berührten, metaphorisch eine Person darzustellen, die den Kopf senkt und weint.
Das Meiste der obigen Ausführungen habe ich beim Durchgehen notiert, und auch vor jedem Werk stehend, habe ich beim Betrachten einige Gedanken festgehalten. Da nur im dritten Saal das Fotografieren erlaubt war (acht Werke), und das manuelle Notieren die Eindrücke vertieft und ein ungestörteres Eintauchen ermöglichte, zudem die Ausstellungsräume im ersten und zweiten Untergeschoss lagen und ganz unten sogar kein Handyempfang war, bot sich eine wunderbare Gelegenheit zur Immersion. Der Audioguide isolierte einen zusätzlich vom Besucherstrom und versetzte einen sofort in einen tiefen Immersionsmodus. Der Inhalt des Audioguides war ausgezeichnet und hob das Ausstellungserlebnis auf ein neues Niveau – ich empfehle jedem, einen zu mieten. Die Sonderausstellung war nicht riesig, trotzdem verbrachte ich über drei Stunden darin.
Die Ausstellung in Tokio ist zwar beendet, wird aber später in Kyoto fortgesetzt, sodass Verpasste noch eine Chance haben. Diese Ausstellung hat mir außerordentlich gut gefallen; sie war offensichtlich äußerst sorgfältig kuratiert und von höchstem Niveau. Im Museumsshop konnte ich nicht widerstehen und kaufte einige Postkarten und den limitierten Ausstellungskatalog. Die Gesamtqualität und das Erlebnis dieser Ausstellung (abgesehen von den wirklich vielen Menschen) waren hervorragend. Eine absolute Empfehlung!
Ein kurzes Durchblättern des Katalogs ist in meinem Tweet-Video zu sehen => x.com/Philo2022
