Exposition Monet à Tokyo : Des affres de la cataracte aux touches immortelles
Il y a quelques jours, j’ai enfin pu visiter l’exposition Monet que j’attendais avec tant d’impatience, juste avant sa fermeture. Monet est l’un de mes peintres préférés, et sans conteste mon impressionniste favori.
Je me suis dit que si, dans quelques siècles, autant de monde venait admirer mes œuvres avec une telle sincérité dans un musée, je serais si heureuse que je ne pourrais m’empêcher de soulever le couvercle de mon cercueil !
Présentée comme la plus grande exposition de Nymphéas de Monet jamais organisée au Japon, elle rassemblait 64 œuvres originales, dont la plupart, à l’exception de quelques études, étaient des pièces majeures. Environ 50 d’entre elles provenaient du musée Marmottan Monet à Paris et étaient exposées aux côtés de tableaux du Musée national d’art occidental de Tokyo et d’autres collections japonaises. C’était tout simplement époustouflant.
Bien qu’il m’ait fallu faire la queue pendant une heure et demie pour obtenir mon billet, ce fut sans aucun doute la meilleure exposition que j’aie vue ces dernières années. J’ai loué un audioguide, et malgré la foule dense devant chaque œuvre, dès que j’ai mis les écouteurs, je me suis plongée dans mon propre monde, celui de Monet.
L’exposition était divisée en quatre salles et cinq chapitres, racontant l’histoire de Monet, depuis l’origine de son thème des Nymphéas et la création de son étang, jusqu’aux épreuves de la guerre et de la cataracte. Je n’ai pas seulement vu des œuvres, mais l’histoire d’une âme tout entière.
J’ai aimé la sérénité et les couleurs riches des premiers chapitres. Monet a mis tant de soin à créer son étang de nymphéas, et en observant les jeux d’ombre et de lumière qui s’y transformaient chaque jour, on voyait des nymphéas, mais on ressentait aussi la fraîcheur de l’aube, la douceur du crépuscule, et même les couchers de soleil flamboyants. C’était une alliance de calme et d’abondance, une finesse cachée dans la rugosité.
J’ai également apprécié les deux derniers chapitres, qui couvraient la période de la vieillesse de Monet. Là, face à l’impuissance et à la douleur de la Première Guerre mondiale, et luttant contre les affres de la cataracte, ses toiles et ses couleurs sont devenues plus sauvages, plus impétueuses. Pourtant, au cœur de cette fougue, on percevait la sensibilité délicate de Monet pour la vie et la beauté. C’était une lutte contre le destin, un hommage aux souffrances des peuples en guerre.
Monet fut tourmenté par des problèmes oculaires durant ses dernières années. Pendant les années où il peignait le pont japonais, sa cataracte s’aggravait inexorablement. À 93 ans, son œil droit était presque aveugle. Après une opération, sa vue s’améliora légèrement, mais il garda une forte dominante jaune-verte. Malgré tout, il continua de peindre sans relâche.
« Quand un chanteur perd sa voix, il prend sa retraite. Quand un peintre subit une opération de la cataracte, il doit abandonner la peinture. Mais renoncer à peindre, c’est ce que je ne pourrai jamais faire. »
J’ai adoré ces quelques toiles de saules pleureurs. Plusieurs d’entre elles, monumentales, présentaient une perspective en contre-plongée, sans ciel, le tableau entièrement envahi par les saules. Les troncs, d’un rouge saisissant, se dressaient au centre, touchant presque le ciel. Puis, c’était une déferlante de feuillage, une sensation de grandeur qui submerge le spectateur, débordant même du cadre de l’œuvre pour toucher directement l’âme.
Une anecdote : Trois Japonais visitèrent l’atelier de Monet alors qu’il peignait un saule pleureur. L’un d’eux, intrigué par le contraste entre le tronc rouge et le feuillage vert, ne put s’empêcher de demander : « Ces couleurs sont-elles exactes ? »
Monet répondit : « Vous savez, mes anciennes toiles, celles qu’on trouve aujourd’hui si belles pour leurs couleurs, ont souvent été critiquées pour leurs teintes étranges. Alors, même si les couleurs que vous voyez maintenant vous paraissent étranges, un jour, les gens s’exclameront : “Comme ces couleurs sont magnifiques !” »
Quelques années après la mort de Monet, ses Nymphéas furent exposés dans les musées et conquirent profondément le cœur du public.
Monet avait aménagé un chemin de roses le long de son étang de nymphéas. Les trois œuvres de la série « La maison vue du jardin des roses » furent les dernières qu’il réalisa de son vivant. Les couleurs s’y mêlaient avec une beauté saisissante. En haut à gauche, on devinait à peine la maison, celle où il avait vécu plus de 40 ans.
C’était d’une beauté saisissante vue d’ici.
« Tôt ou tard, tout ce que je vois sera déformé et confus. Ce serait insupportable. Si je ne peux plus voir la nature comme je la vois maintenant, je préférerais rester aveugle, et garder le souvenir de la beauté que j’ai toujours perçue. »
En 1914, avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, Monet se plongea dans la création d’œuvres monumentales. Il confiait que le travail lui permettait d’éviter de penser à cette époque si douloureuse : « J’ai honte d’étudier ces couleurs et ces formes insignifiantes, tandis que tant de gens subissent la mort et la torture. »
Après la fin de la Première Guerre mondiale, en novembre 1918, il écrivit à son vieil ami, le Premier ministre Georges Clemenceau, pour lui faire don de deux œuvres, en célébration de la fin du conflit.
Les saules pleureurs, symboles de deuil et de souvenir, servaient à commémorer. Monet imaginait les spectateurs plongeant dans un état de méditation paisible en contemplant ces œuvres, s’imaginant entourés par l’eau infinie du tableau. Les reflets des saules se mêlaient à la surface de l’étang, les branches réelles et leurs images dans l’eau perdant leurs frontières pour ne faire qu’un. La réalité et l’illusion s’unissaient dans ce microcosme mouvant. D’une certaine manière.
Sur une autre toile de saules pleureurs, la partie inférieure du tronc d’un arbre et la moitié du feuillage effleurant l’eau évoquaient la métaphore d’une personne baissant la tête et pleurant.
La plupart de ces notes ont été prises au fur et à mesure de ma visite, et j’ai également écrit quelques impressions en observant chaque œuvre. Seule la troisième salle d’exposition autorisait les photos (huit œuvres), et prendre des notes à la main rend l’expérience plus mémorable et plus immersive, sans être dérangé. De plus, les salles de l’exposition spéciale se trouvaient au premier et deuxième sous-sols, au point qu’il n’y avait même pas de signal téléphonique au plus bas niveau, ce qui était une excellente raison de s’immerger totalement. L’audioguide m’a également isolée de la foule, me plongeant instantanément dans un mode d’immersion profonde. Le contenu de l’audioguide était excellent, rehaussant l’expérience de la visite de plusieurs niveaux, je le recommande vivement à tous ceux qui y vont. L’exposition n’était pas immense, et j’y ai flâné pendant plus de trois heures.
L’exposition à Tokyo est maintenant terminée, mais elle sera ensuite présentée à Kyoto, donc ceux qui l’ont manquée ont encore une chance. J’ai vraiment adoré cette exposition ; on pouvait sentir qu’elle avait été organisée avec le plus grand soin et à un niveau exceptionnel. Je n’ai pas pu m’empêcher de faire quelques achats à la boutique du musée, notamment des cartes postales et un catalogue d’exposition en édition limitée. La qualité globale et l’expérience de cette exposition (malgré la foule immense) étaient absolument excellentes. Je la recommande vivement !
Vous pouvez voir un aperçu rapide du catalogue dans une vidéo sur mon fil X => x.com/Philo2022
