Mostra di Monet a Tokyo: Dalla Sofferenza della Cataratta ai Tocchi Immortali
Qualche giorno fa, proprio all’ultimo momento utile, sono finalmente riuscito a visitare la mostra di Monet che tanto desideravo vedere. È uno dei miei pittori preferiti e, senza dubbio, uno dei maestri impressionisti che amo di più.
Ho pensato che se, tra qualche centinaio d’anni, altrettante persone dovessero apprezzare così sinceramente le mie opere in un museo, sarei così felice da non riuscire a trattenermi e solleveri il coperchio della mia bara.
Considerata la più grande mostra di Ninfee di Monet nella storia del Giappone, ha presentato ben 64 opere originali. A parte qualche studio, tutte le altre erano pezzi di enorme rilevanza. Circa 50 provenivano dal Musée Marmottan Monet di Parigi, esposti insieme a dipinti del Museo Nazionale d’Arte Occidentale di Tokyo e altre collezioni giapponesi. Uno spettacolo mozzafiato.
Nonostante abbia fatto un’ora e mezza di coda per comprare il biglietto, questa è stata in assoluto la migliore mostra che abbia visto negli ultimi anni. Ho noleggiato un’audioguida e, nonostante la folla di persone davanti a ogni opera, non appena ho indossato le cuffie, mi sono ritrovato completamente immerso nel mio mondo, o meglio, nel mondo di Monet.
La mostra era divisa in quattro sale e cinque capitoli, narrando con delicatezza il percorso di Monet, dalla sua intenzione iniziale di dedicarsi al tema delle Ninfee e alla creazione del suo stagno, fino alle difficoltà affrontate in seguito a causa della guerra e della cataratta. Ciò che ho visto non erano solo opere, ma l’intera storia di un’anima.
Ho apprezzato la tranquillità e i colori intensi dei primi capitoli. Monet ha dedicato un’enorme cura alla creazione del suo stagno di ninfee. Osservare il gioco mutevole di luci e ombre sullo stagno giorno dopo giorno permette di vedere le ninfee, ma anche di percepire l’alba e il tramonto, e i rossori infuocati del crepuscolo. È un connubio di quiete e ricchezza, una delicatezza celata nella rugosità.
Ho apprezzato anche gli ultimi due capitoli, dedicati agli anni più tardi di Monet. Qui emergono, da un lato, l’impotenza e il dolore per la Prima Guerra Mondiale, e dall’altro, la grave sofferenza dovuta alla cataratta. Le tele e i colori si fanno più selvaggi e impetuosi, eppure, in questa furia, si può ancora cogliere la delicata sensibilità di Monet per la vita e la bellezza. È una lotta contro il destino, un lamento per le persone che soffrono a causa della guerra.
Negli ultimi anni della sua vita, Monet fu afflitto da gravi problemi agli occhi. Negli anni in cui realizzò le opere legate al ponte giapponese, la sua cataratta peggiorò progressivamente. All’età di 93 anni, il suo occhio destro era quasi cieco. Dopo l’intervento chirurgico, la vista migliorò leggermente, ma persisteva una notevole dominanza giallo-verde. Nonostante tutto, continuò a creare.
«Quando un cantante perde la voce, si ritira. Quando un pittore subisce un’operazione di cataratta, deve smettere di dipingere. Eppure, abbandonare la pittura è l’unica cosa che non potrei mai fare.»
Ho amato quelle opere dedicate ai salici piangenti. Diverse tele mostrano salici piangenti giganteschi, visti leggermente dal basso, senza cielo; l’intera superficie è occupata da queste piante, con tronchi rossi che si ergono imponenti al centro, catturando l’attenzione. La loro presenza avvolgente, quasi soffocante, crea un senso di immensità che sembra trascendere le dimensioni della tela, colpendo direttamente l’anima dello spettatore.
Un aneddoto: Tre visitatori giapponesi si recarono nello studio di Monet e lo trovarono intento a dipingere questi salici piangenti. Uno di loro, incuriosito, non poté fare a meno di chiedere: «Questo contrasto tra i tronchi rossi e le foglie verdi dei salici piangenti… si domandava se quei colori fossero corretti».
Monet rispose: «Sapete, i miei vecchi dipinti, che ora considerate così ricchi di bei colori, un tempo venivano sempre criticati perché i loro colori sembravano strani. Perciò, anche se ora questi colori vi sembrano strani, un giorno, in futuro, la gente esclamerà: “Che colori meravigliosi!”»
Alcuni anni dopo la morte di Monet, le sue opere dedicate alle Ninfee furono esposte nei musei e catturarono profondamente i cuori degli spettatori.
Monet aveva creato un sentiero di rose lungo lo stagno delle ninfee. Le tre opere della serie “La casa vista dal roseto” furono le ultime che realizzò in vita. I colori si fondono con una bellezza straordinaria. In alto a sinistra, si intravede appena la casa, il luogo dove aveva vissuto per oltre quarant’anni.
Da qui la vista è davvero incantevole.
«Prima o poi, tutto ciò che vedo diventerà deforme e confuso. Questo è intollerabile. Se non potrò più vedere la natura come la vedo adesso, preferirei rimanere cieco e conservare il ricordo della bellezza che ho sempre contemplato.»
Con lo scoppio della Prima Guerra Mondiale nel 1914, Monet si immerse nella creazione di opere di grandi dimensioni, affermando che il lavoro gli permetteva di non pensare a quei tempi dolorosi. «Mi vergogno di studiare questi insignificanti colori e forme,» disse, «mentre al contempo così tante persone stanno affrontando la morte e soffrendo tormenti.»
Dopo la fine della Prima Guerra Mondiale, nel novembre del 1918, scrisse al suo vecchio amico, il Primo Ministro Georges Clemenceau, donando queste due opere per celebrare la fine del conflitto.
I salici piangenti sono usati per commemorare, simboleggiando il dolore e il ricordo. Monet immaginava che osservando queste opere, le persone potessero entrare in uno stato di serena meditazione, sentendosi circondate da quell’acqua infinita dipinta. Sulla superficie dello stagno, i riflessi dei salici piangenti si fondono con le parti reali degli alberi, perdendo i confini e divenendo un tutt’uno. Realtà e illusione si uniscono in un micro-mondo fluido, in un certo senso.
In un’altra tela con salici piangenti, la parte inferiore del tronco di un albero, con metà dei rami a sfiorare la superficie dell’acqua, allude metaforicamente a una persona che china il capo e piange.
La maggior parte di quanto scritto sopra è stata annotata mentre camminavo per le sale, e ho anche preso appunti e impressioni davanti a ogni opera. Dato che solo la terza sala permetteva di scattare foto (otto opere), prendere appunti a mano ha reso l’esperienza ancora più memorabile e immersiva, senza distrazioni. Inoltre, gli spazi dell’esposizione speciale erano situati al primo e secondo piano interrato, e nel punto più profondo non c’era nemmeno segnale telefonico: un’ottima scusa per immergersi completamente. L’audioguida, inoltre, isola dalla folla, permettendo di entrare immediatamente in una modalità di profonda immersione. I contenuti erano eccellenti e hanno elevato l’esperienza della visita di diversi livelli; la consiglio vivamente a chiunque vada. La mostra speciale non era enorme, eppure vi ho trascorso oltre tre ore.
La mostra a Tokyo è ora terminata, ma proseguirà a Kyoto, quindi chi l’ha persa avrà ancora un’opportunità. Ho amato tantissimo questa esposizione; si percepisce chiaramente l’altissimo livello e la cura meticolosa nella curatela. Non ho potuto fare a meno di comprare diversi souvenir nel negozio d’arte, tra cui cartoline e il catalogo esclusivo della mostra. La qualità complessiva e l’esperienza di questa mostra (a parte la notevole affluenza di pubblico) sono state eccellenti, la consiglio vivamente.
Potete vedere una rapida sfogliata del catalogo nel mio video su X (ex Twitter) => x.com/Philo2022
