Exposición de Monet en Tokio: De la aflicción de las cataratas a las pinceladas inmortales
Hace unos días, justo antes de que terminara, pude visitar por fin la tan esperada exposición de Monet. Monet es uno de mis pintores favoritos y, sin duda, mi impresionista predilecto.
Y pensé, si dentro de unos siglos tanta gente en un museo apreciara de verdad mis obras de esta manera, la felicidad sería tal que me levantaría de la tumba.
Considerada la mayor exposición de los Nenúfares de Monet en la historia de Japón, la muestra presentaba 64 obras originales. A excepción de unos pocos estudios, el resto eran piezas de gran peso artístico. Aproximadamente 50 de ellas procedían del Museo Marmottan Monet de París y se expusieron junto a las del Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio y otras colecciones japonesas, creando una muestra verdaderamente impresionante.
Aunque tuve que hacer una cola de hora y media para conseguir mi entrada, esta fue, sin duda, la mejor exposición que he visto en años. Alquilé una audioguía y, a pesar de la multitud de gente frente a cada obra, en cuanto me puse los auriculares, me sumergí en mi propio mundo, adentrándome por completo en el universo de Monet.
La exposición se dividía en cuatro salas y cinco capítulos, que narraban con delicadeza desde el origen de la creación del tema de los Nenúfares y la construcción del estanque, hasta las vicisitudes que Monet sufrió posteriormente con la guerra y las cataratas. Lo que vi no fue solo una colección de obras, sino la historia completa de un alma.
Me encantaron la calma y los colores intensos de los primeros capítulos. Monet dedicó mucho esfuerzo y cariño a la creación de su estanque de nenúfares. Observando cómo la luz y las sombras cambiaban sobre sus nenúfares cada día, uno ve las flores, pero a la vez puede sentir la frescura de la mañana, la quietud del atardecer y los crepúsculos encendidos, como llamas. Es una mezcla de serenidad y riqueza, de aparente simpleza con una profunda complejidad.
También me gustaron mucho los dos últimos capítulos, que abarcaban la etapa final de la vida de Monet. En ellos se reflejaba, por un lado, la impotencia y el dolor ante la Primera Guerra Mundial, y por otro, su sufrimiento a causa de las cataratas. Las pinceladas y los colores se volvieron más salvajes y desbordantes, pero incluso en esa ferocidad, se podía apreciar la delicada percepción de Monet sobre la vida y la belleza. Era su lucha contra el destino, su lamento por los pueblos que sufrían en la guerra.
Monet sufrió de una enfermedad ocular durante sus últimos años. En los años en que creó las obras relacionadas con el puente japonés, sus cataratas empeoraron progresivamente. A los 93 años, su ojo derecho estaba casi ciego. Después de someterse a una cirugía, recuperó algo de visión, pero persistía una severa distorsión de los colores hacia el amarillo y el verde. A pesar de todo, continuó pintando.
«Cuando un cantante pierde la voz, se retira. Cuando un pintor se opera de cataratas, tiene que abandonar la pintura. Sin embargo, renunciar a pintar es algo que yo jamás podría hacer.»
Me encantan esos sauces llorones. Hay varias obras enormes con sauces llorones, pintadas con una perspectiva ligeramente contrapicada, sin cielo, donde toda la superficie del cuadro está ocupada por los sauces. Los troncos son rojos, se alzan majestuosamente en el centro, muy llamativos. Y luego, los sauces que se extienden por doquier. Esta inmensa sensación que te envuelve, que incluso desborda los límites del cuadro, impacta directamente en el alma del espectador.
Una anécdota: Tres japoneses visitaron el estudio de Monet mientras él pintaba estos sauces llorones. Uno de ellos, intrigado, no pudo evitar preguntar, curioso por el contraste entre los troncos rojos y las hojas verdes de los sauces, si esos colores eran realmente correctos.
Monet respondió: «Sabes, mis antiguas obras, esas que ahora consideráis de colores hermosos, siempre fueron criticadas por tener colores extraños. Así que, aunque estos colores te parezcan extraños ahora, un día, en el futuro, la gente exclamará: “¡Qué colores tan hermosos!”»
Años después de la muerte de Monet, sus obras de nenúfares fueron expuestas en museos y cautivaron profundamente los corazones del público.
Monet había creado un sendero de rosas junto al estanque de nenúfares. La serie de tres obras titulada ‘La casa vista desde el rosal’ fue una de las últimas que creó en vida. ¡Qué hermosamente mezclados están esos colores! En la esquina superior izquierda, apenas visible, se asoma la casa; el lugar donde vivió más de 40 años.
¡Qué vista tan hermosa desde aquí!
«Tarde o temprano, todo lo que veo se deformará y me confundirá. Eso sería insoportable. Si no puedo ver la naturaleza como ahora, preferiría permanecer ciego, conservando el recuerdo de la belleza que siempre he visto.»
En 1914, al estallar la Primera Guerra Mundial, Monet se sumergió en la creación de obras de gran formato. Afirmó que el trabajo le ayudaba a evitar pensar en esos tiempos tan dolorosos: «Me avergüenza estar estudiando estos colores y formas insignificantes, mientras al mismo tiempo tanta gente está muriendo y sufriendo.»
Tras el fin de la Primera Guerra Mundial, en noviembre de 1918, escribió a su viejo amigo, el Primer Ministro Georges Clemenceau, donando estas dos obras para celebrar el fin de la contienda.
Los sauces llorones se utilizan para el recuerdo, simbolizando la tristeza y la memoria. Monet imaginó a la gente entrando en un estado de meditación tranquila al contemplar estas obras, sintiéndose rodeados por el agua infinita de la pintura. En la superficie del estanque se reflejaban los sauces, y la parte real de los árboles y sus reflejos en el agua perdían sus límites, fusionándose en una sola entidad. La realidad y la ilusión se unían en un micromundo fluido, en cierto modo.
En otra de las obras de sauces llorones, la parte inferior del tronco de un árbol, junto con la mitad de sus ramas que se inclinan hacia la superficie del agua, sugiere metafóricamente a una persona llorando con la cabeza gacha.
La mayor parte de lo anterior lo anoté mientras recorría la exposición, y también escribí algunas impresiones mientras observaba cada obra. Como solo se permitían fotos en la tercera sala (ocho obras), tomar notas a mano hizo que la experiencia fuera más memorable y me permitió sumergirme sin interrupciones. Además, las salas de la exposición especial estaban en el primer y segundo sótano, y en el nivel más bajo, incluso el móvil no tenía señal, lo que también contribuyó a una inmersión total. La audioguía también te aísla de la multitud, permitiéndote entrar de inmediato en un modo de inmersión profunda. El contenido era excelente, elevando la experiencia de la visita a otro nivel; recomiendo encarecidamente alquilar una. La exposición especial no era muy grande, pero yo me quedé más de tres horas en ella.
La exposición de Tokio ya ha terminado, pero continuará en Kioto, así que quienes se la perdieron aún tienen una oportunidad. Me encantó esta exposición; se notaba que estaba curada con gran esmero y a un nivel excepcional. En la tienda de recuerdos, no pude resistirme a comprar algunas postales y el catálogo exclusivo de la exposición. La calidad general y la experiencia de esta exposición (a pesar de la gran afluencia de público) fueron excepcionales. ¡La recomiendo encarecidamente!
Puedes ver un rápido vistazo al catálogo en el vídeo de mi tuit => x.com/Philo2022
