東京モネ展：白内障の苦悩から不朽の筆致へ
先日、会期終了間際に、ずっと心待ちにしていたモネ展へようやく足を運ぶことができました。モネは私が最も好きな画家の一人であり、印象派の中でも特に思い入れのある画家です。
もし数百年後にも、これほど多くの人々が美術館で私の作品を心から鑑賞してくれているとしたら、きっと嬉しさのあまり棺の蓋をこじ開けて飛び出してしまうでしょうね。
日本史上最大規模と謳われるこのモネの睡蓮展では、64点の真作が展示され、ごく少数の習作を除き、いずれも非常に重要な作品ばかりでした。そのうち約50点はパリのマルモッタン・モネ美術館から来日しており、東京国立西洋美術館やその他の日本国内の所蔵作品と合わせて展示され、息をのむような美しさでした。
チケット購入まで1時間半も並びましたが、それでも、この数年で間違いなく最高の展覧会でした。音声ガイドを借りて、会場の作品前はどこも大変な人混みでしたが、ヘッドホンを装着した途端、私はたちまち自分だけの世界、モネの世界へと深く没入していきました。
展覧会は4つの展示室、5つの章で構成されており、モネが睡蓮のテーマを創作した初期の動機や睡蓮の池の造成から、晩年の戦争や白内障との闘いに至るまでが、物語のように語られていました。私が目にしたのは、単なる作品群ではなく、彼の魂の物語そのものだったのです。
私は序盤の章に展示された、穏やかで濃厚な色彩の作品群が好きでした。モネは睡蓮の池を造り上げるために大変な情熱を注ぎ、一日ごとの池に映る光と影の変化を観察していました。睡蓮を描きながらも、そこには清々しい早朝や夕暮れ時、そして炎のように燃え上がる夕焼けが感じられます。静けさの中に豊かさがあり、粗野なタッチの中にも繊細な表現が宿っていました。
そして、後の二章もまた心惹かれました。これらはモネの晩年の作品群で、第一次世界大戦の無力感と苦悩、そして白内障による視力低下に苦しみながら描かれたものです。画面や色彩はより奔放で荒々しくなっていますが、その荒々しさの中にも、モネが生命や美に対して抱いていた繊細な感性が垣間見えます。それは運命への抗いであり、戦争で苦しむ人々への哀悼の念が込められているように感じられました。
モネは晩年、眼病に苦しみ続けました。「日本の橋」などの作品を制作していた数年間、モネの白内障は悪化の一途を辿ります。93歳になる頃には、右目はほとんど失明状態でした。その後手術を受け、わずかながら視力は回復したものの、ひどい黄緑色の偏りが見られるようになりました。しかし、彼はそれでも創作活動を続けたのです。
「歌手が声を失えば引退する。画家が白内障の手術を受ければ、絵を描くことを諦めなければならない。しかし、絵を描くことだけは、私には到底できないことなのだ。」
私はあの数枚の「しだれ柳」の作品が好きでした。何枚か巨大な「しだれ柳」の絵があり、少し見上げるような視点から、空はなく、画面全体が柳で埋め尽くされていました。幹は赤く、画面中央に天を突くようにそびえ立ち、非常に印象的でした。そして、画面いっぱいに広がる柳の圧倒的な存在感は、絵のサイズを超えて、見る者の心に直接訴えかけてくるようでした。
ある逸話が紹介されていました。 3人の日本人がモネのアトリエを訪れ、彼がこの「しだれ柳」を描いているのを目にした時のことです。そのうちの一人が興味を抑えきれず尋ねました。「この赤い幹と緑の柳の葉のコントラストは、本当に正しい色なのでしょうか？」と。
モネはこう返しました。「ご存知のように、かつて私が描いた美しい色彩の古い作品は、常に人々から『奇妙な色だ』と批判されていました。だから、今あなたがこれらの色を奇妙だと感じるかもしれませんが、未来のある日には、人々はきっと『なんて美しい色なんだろう』と感嘆するでしょう。」 Well, my old paintings which you now creates? as having beautiful colors used to be criticized by people as having strange colors. So although these colors may seems strange to you now, people in the future will come to see they are indeed really beautiful colors.
数年後、モネが亡くなり、彼の睡蓮関連の作品が美術館で展示されると、観客たちの心を深く掴みました。
モネはかつて睡蓮の池のほとりにバラの小径を造り、そこから眺める家屋を描いた3枚の連作を、生前最後に手掛けた作品群としています。その色彩の混じり合いは本当に美しく、左上には家屋がかすかに見え隠れしていました。彼が40年以上住み続けた場所です。
ここから眺める景色は本当に美しい。
「いつか、私が見るものすべてが歪み、混乱するだろう。それは耐えがたいことだ。もし今のように自然を見ることができないのなら、私はむしろ失明したままでいたい。これまで見てきた美しさの記憶を留めておきたいのだ。」
1914年に第一次世界大戦が勃発すると、モネは巨大な作品の制作に没頭し始めました。彼は、制作に打ち込むことが悲しい時代について考えるのを避ける助けになると語っています。「私は恥じている。私がこのような取るに足らない色彩や形を研究している間にも、多くの人々が死と苦痛の拷問を受けているのだから。」
第一次世界大戦終結後の1918年11月、彼は旧友であるジョルジュ・クレマンソー首相に手紙を書き、この2作品を大戦終結の祝賀として寄贈しました。
「しだれ柳」は追悼のために描かれ、悲しみと追悼の意を象徴しています。モネは、様々な人々がこの作品を鑑賞する際、穏やかな瞑想状態に入り、絵画の中の無限の水に包まれている自分を想像することを願いました。池の水面にはしだれ柳が映り込み、現実の柳と水面に映る柳の境界線は曖昧になり、一体化しています。現実と幻想が、ある種、流動的なミクロの世界で融合しているのです。
また別の「しだれ柳」の作品では、一本の木の幹の下半分と、水面に寄り添うようにたなびく柳が、うつむいて泣いている人の姿を暗喩しているかのようでした。
以上の内容は、ほとんどが会場を巡りながらメモしたものです。それぞれの作品の前でじっくりと鑑賞し、感じたことを書き留めました。というのも、撮影が許可されていたのは第3展示室（8作品）のみだったためです。また、手書きでメモを取ることで、より深く印象に残り、邪魔されずに没入感を味わえました。さらに、特別展の会場は地下1階と2階にあり、最下階では携帯の電波すら届かないため、これも没入するのに最適な環境でした。音声ガイドも、人混みの中から私を切り離し、一気に深い没入モードへと誘ってくれました。ガイドの内容も非常に充実しており、鑑賞体験を何段階も上のレベルに引き上げてくれたので、もし行く機会があればぜひ借りることをお勧めします。特別展自体はそれほど広くありませんが、私も3時間以上そこに滞在しました。
東京での展覧会はすでに終了しましたが、今後は京都で引き続き開催される予定なので、見逃した方にもまだチャンスがあります。この展覧会は本当に素晴らしく、非常に綿密に企画され、そのレベルの高さが伺えました。アートショップのグッズも思わずたくさん買ってしまいました。ポストカードと展覧会限定の画集をいくつか購入しました。今回の展覧会は、総合的な質と体験（人が非常に多かったことを除けば）が非常に素晴らしく、強くお勧めします。
私のX（旧Twitter）の投稿動画で画集の簡単なページめくりをご覧いただけます => x.com/Philo2022
