Monet-tentoonstelling in Tokio: Van de strijd tegen staar tot tijdloze penseelstreken
Een paar dagen geleden, net op het nippertje, heb ik eindelijk de langverwachte Monet-tentoonstelling bezocht. Monet is een van mijn favoriete schilders, en ook een van mijn meest geliefde impressionisten.
Het schoot me te binnen: als over een paar honderd jaar nog zoveel mensen mijn werken zo oprecht zouden waarderen in een museum, dan zou ik van geluk mijn kist openwrikken.
Deze Monet-lelietentoonstelling, de grootste in de geschiedenis van Japan, toonde 64 originele werken, waarvan het merendeel, op een paar studies na, van uitzonderlijk kaliber was. Ongeveer 50 stuks kwamen uit het Musée Marmottan Monet in Parijs en werden tentoongesteld samen met werken uit het Nationale Museum voor Westerse Kunst in Tokio en andere Japanse collecties. Het was adembenemend.
Hoewel ik anderhalf uur in de rij moest staan om een kaartje te bemachtigen, was dit absoluut de beste tentoonstelling die ik in jaren heb gezien. Ik huurde een audiogids, en hoewel er voor elk werk in de zaal veel mensen stonden, stapte ik zodra ik de koptelefoon opzette mijn eigen wereld in, ondergedompeld in die van Monet.
De tentoonstelling was verdeeld over vier zalen en vijf hoofdstukken, die op een meeslepende manier vertelden over Monets begin met het thema van de waterlelies, de aanleg van zijn lelievijver, en zijn latere worstelingen met oorlog en staar. Ik zag niet alleen de werken, maar een compleet zielverhaal.
Ik hield van de rust en de intense kleuren in de eerste hoofdstukken. Monet stak veel moeite in de aanleg van die lelievijver, en zag hoe het spel van licht en schaduw daar dagelijks veranderde. Hoewel je waterlelies ziet, voel je de vroege ochtend en de avond, en de vlammende avondrood. Het is kalm en rijk, met ruwe toetsen, maar vol subtiliteit.
Ik hield ook van de laatste twee hoofdstukken, die Monets latere jaren besloegen. Eerst was er de machteloosheid en pijn over de Eerste Wereldoorlog, en daarna zijn ernstige worsteling met staar. De beelden en kleuren werden wilder en expressiever, maar zelfs in die wildheid zie je Monets subtiele waarneming van leven en schoonheid. Het was een strijd tegen het lot, een rouwbeklag voor de lijdende mensen in de oorlog.
Monet worstelde in zijn latere jaren constant met oogproblemen. In de jaren dat hij werkte aan zijn Japanse brug-serie, verslechterde zijn staar steeds verder. Toen Monet 93 was, was zijn rechteroog zelfs bijna blind. Na een operatie herstelde hij enigszins, maar hij bleef kampen met een ernstige geelgroene verkleuring. Desondanks bleef hij onvermoeibaar doorwerken.
“Als een zanger zijn stem verliest, gaat hij met pensioen. Als een schilder een staaroperatie ondergaat, moet hij het schilderen opgeven. Maar schilderen opgeven is iets wat ik absoluut niet kan doen.”
Ik hield van die treurwilgen. Er waren verschillende enorme treurwilgen, vanuit een enigszins laag perspectief geschilderd, zonder lucht. Het hele canvas werd in beslag genomen door de wilgen. De stammen waren rood, reikten majestueus tot in het midden van het beeld en waren zeer opvallend. En dan die overal aanwezige, neerdalende wilgen. Dit overweldigende gevoel van grootsheid leek zelfs de grenzen van het doek te overschrijden en raakte het hart van de toeschouwer diep.
Een anekdote: Drie Japanners bezochten Monets atelier en zagen hem aan deze treurwilg werken. Een van hen was nieuwsgierig en kon het niet laten te vragen: ‘Deze contrasten tussen rode stammen en groene wilgenbladeren… Zijn deze kleuren wel correct?’
Monet antwoordde: Weet je, mijn oude schilderijen, die jullie nu als prachtig gekleurd beschouwen, werden destijds altijd bekritiseerd om hun vreemde kleuren. Dus hoewel deze kleuren nu misschien vreemd voor je lijken, zullen mensen in de toekomst verzuchten: ‘Wat zijn die kleuren toch prachtig!’ Well, my old paintings which you now creates? as having beautiful colors used to be criticized by people as having strange colors. So although these colors may seems strange to you now, people in the future will come to see they are indeed really beautiful colors.
Jaren na Monets dood werden zijn waterlelie-werken tentoongesteld in musea en grepen ze de harten van het publiek.
Monet had ooit een rozenpad aangelegd langs zijn lelievijver. De serie van drie werken ‘Het huis gezien vanuit de rozentuin’ was de laatste serie die hij tijdens zijn leven maakte. Wat waren die kleuren prachtig gemengd. Links bovenaan was vaag het huis te zien. De plek waar hij ruim 40 jaar gewoond had.
Wat was het mooi om van daaruit te kijken.
“Vroeg of laat zal alles wat ik zie vervormd en verwarrend worden. Dat is ondraaglijk. Als ik de natuur niet meer zo kan zien als nu, blijf ik liever blind en bewaar ik de herinnering aan de schoonheid die ik altijd heb gezien.”
Toen de Eerste Wereldoorlog in 1914 uitbrak, dompelde Monet zich onder in het creëren van gigantische werken. Hij zei dat werken hem hielp om niet na te denken over die droevige tijden. “Ik schaam me ervoor dat ik deze onbeduidende kleuren en vormen bestudeer, terwijl zoveel mensen de dood ervaren en lijden onder marteling.”
Na het einde van de Eerste Wereldoorlog, in november 1918, schreef hij aan zijn oude vriend, premier Georges Clemenceau, en schonk hij twee van zijn werken om het einde van de oorlog te vieren.
De treurwilgen dienden als gedenkteken, symboliseerden verdriet en herinnering. Monet stelde zich voor hoe mensen, kijkend naar dit werk, in een kalme meditatieve staat zouden raken, zich omringd voelend door het oneindige water in het schilderij. Het oppervlak van de vijver weerspiegelde de treurwilgen. De grenzen tussen de echte wilgen en hun spiegelbeeld in het water vervaagden, ze versmolten tot één geheel. De werkelijkheid en illusie versmolten in een vloeiende microwereld, tot op zekere hoogte.
Bij een andere treurwilg, waar de onderste helft van de stam en een deel van de wilgentakken het wateroppervlak raakten, werd gesuggereerd dat het een persoon voorstelde die met gebogen hoofd huilde.
Bovenstaande notities heb ik grotendeels onderweg gemaakt, en ook wat indrukken opgeschreven terwijl ik voor elk werk stond te observeren. Alleen in de derde zaal was fotograferen toegestaan (acht werken). Handmatig aantekeningen maken zorgde voor een diepere, ongestoorde onderdompeling. Bovendien bevonden de tentoonstellingsruimtes zich op de eerste en tweede kelderverdieping, waar zelfs op de onderste verdieping geen mobiel bereik was – nog een goede reden om volledig op te gaan in de ervaring. De audiogids isoleerde je bovendien van de mensenmassa en bracht je meteen in een diepe immersiemodus. De inhoud van de audiogids was ook uitstekend, wat de tentoonstellingservaring naar een hoger niveau tilde; ik raad iedereen aan er een te huren. De speciale tentoonstelling was niet gigantisch, maar ik heb er wel meer dan drie uur rondgehangen.
De tentoonstelling in Tokio is nu afgelopen, maar zal later in Kyoto verdergaan, dus wie het gemist heeft, krijgt nog een kans. Ik vond deze tentoonstelling echt geweldig; het was duidelijk dat deze met uiterste zorg en op zeer hoog niveau was samengesteld. In de museumwinkel kon ik het niet laten om wat souvenirs te kopen: ansichtkaarten en een tentoonstellingscatalogus in beperkte oplage. De algehele kwaliteit en ervaring van deze tentoonstelling (afgezien van de enorme drukte) was uitstekend, een absolute aanrader.
Je kunt een korte doorbladering van de catalogus zien in mijn tweet-video => x.com/Philo2022
